Identifier correctement les goulets d'étranglement n'est pas seulement une exigence urgente, mais aussi une condition préalable pour que l'art académique devienne véritablement un pilier de la stratégie industrielle culturelle. Un journaliste du journal Lao Dong s'est entretenu avec l'artiste émérite Phan Manh Duc - directeur du Théâtre de musique et de danse du Vietnam sur cette question:
Monsieur, la musique, la danse et le théâtre sont à l'origine une forme d'art académique de nature internationale. La résolution du XIVe Congrès du Parti met l'accent sur la construction d'une culture "pleine d'identité nationale", comment le théâtre a-t-il résolu le problème de la "vietnamisation" de l'art académique (comme l'utilisation du Ballet et de l'Opéra pour raconter des histoires culturelles vietnamiennes) afin que ces œuvres atteignent à la fois les normes internationales et contribuent à la construction du système de valeurs humaines vietnamiennes?
- La "vietnamisation" de l'art académique n'est pas un mélange mécanique de formes, mais un processus de contenu de l'identité nationale sur la base du langage artistique international. Le ballet ou l'opéra ont des normes de performance mondiales; mais l'histoire et le système de valeurs que l'œuvre transmet peuvent tout à fait provenir de l'histoire, de la culture et du peuple vietnamien.
Tout d'abord, nous choisissons des thèmes emblématiques - de l'histoire nationale, de la littérature classique à la vie contemporaine - où convergent des valeurs fondamentales telles que le patriotisme, l'esprit humaniste, le sacrifice et l'aspiration à progresser. Sur cette base, l'équipe créative (chorégraphe, réalisateur, musicien, concepteur) transforme les matériaux folkloriques - tels que la musique traditionnelle, le langage corporel asiatique, les beaux-arts, les costumes - dans la structure étroite du Ballet et de l'Opéra.
Deuxièmement, nous accordons une attention particulière aux normes professionnelles internationales, de la formation des artistes selon un système systématique, en coopérant avec des experts étrangers, aux processus de mise en scène, de performance, de conception de scène, d'éclairage... Cela garantit que l'œuvre n'est pas seulement "vietnamienne" en termes de contenu, mais répond également à la qualité technique du théâtre international. Enfin, l'objectif le plus élevé n'est pas seulement de créer de bonnes œuvres, mais de contribuer à la formation du système de valeurs humaines vietnamiennes dans le nouveau contexte.
Lorsque le public voit son propre histoire - avec des normes morales, des aspirations et une identité - racontée dans un langage artistique académique, il aura une empathie plus profonde. C'est ainsi que l'art académique, bien qu'international, peut toujours devenir un moyen efficace de cultiver l'identité et d'améliorer la vie spirituelle et sociale.
Le développement de l'industrie culturelle est un point central majeur, mais l'opéra ou le ballet nécessitent des coûts d'investissement extrêmement élevés pour les orchestres symphoniques, les costumes et les décors. Quelle stratégie le théâtre a-t-il pour équilibrer le caractère "académique et pointilleux" et le problème des "revenus et du marché", afin de faire entrer réellement le genre artistique aristocratique dans la chaîne de valeur de l'industrie culturelle rentable?
- Nous déterminons que le partenariat public-privé n'est pas seulement une solution financière, mais aussi un espace pour accroître la créativité. Pour les œuvres "vietnamiennes" telles que: "Dó, Đông Hồ" (Ballet), "Huyền diệu Biển", "Cô Sao", "Lá đỏ" (Opéra) ou internationales telles que: "Carmen", "Những người khốn khổ", "La Traviata" (Opéra), "Hồ Thiên Nga", "Don Quichotte", "Giselle" (Ballet)..., le théâtre a pris l'initiative de poser le problème dès le début, à savoir comment combiner les normes académiques avec les matériaux vietnamiens contemporains, créant un produit à la fois avec une profondeur artistique et une capacité à "raciner des histoires" attrayantes pour le marché.
Notre plus grand avantage est la main-d'œuvre de haute qualité - des orchestres symphoniques, des chorégraphes, des réalisateurs aux artistes d'opéra et de ballet - ainsi que la marque d'une unité leader dans le spectacle d'art académique. En participant à la coproduction, le théâtre fournit non seulement une force de performance, mais assure également la marque pour l'ensemble du projet. C'est un facteur dont les partenaires privés ont grand besoin lorsqu'ils investissent dans le domaine de la musique et de la danse. Parallèlement, la participation à la production ou à l'accompagnement professionnel des programmes de concerts d'autres unités nous aide également à étendre l'espace créatif, à tester de nouveaux formats, à atteindre un public plus large sans avoir à supporter tous les coûts.
On peut dire que la stratégie du théâtre est de prendre la créativité comme noyau, de prendre les ressources humaines de haute qualité et le prestige de la marque comme levier, et de prendre le partenariat public-privé comme mécanisme de fonctionnement pour faire des œuvres académiques de véritables produits de valeur sur le marché de l'industrie culturelle.
L'art du ballet a une spécificité de formation extrêmement rigoureuse (consommant généralement 10 à 15 ans), mais l'ancienneté de la profession de spectacle de haut niveau est très courte. Du point de vue de la gestion, quelles sont vos préoccupations et suggestions concernant les politiques de traitement, les mécanismes de salaire et de primes spécifiques pour "retenir" les rares talents académiques attachés au théâtre d'État?
- L'histoire des avantages sociaux pour les artistes universitaires est encore une préoccupation majeure aujourd'hui. Pour l'opéra, la symphonie ou le ballet, le salaire de base dans les unités publiques est encore assez bas; dans de nombreux cas, après des dizaines d'années de métier, le revenu du salaire n'est que d'environ 5 à 7 millions de dongs/mois, les allocations de spectacle sont également insignifiantes. Pendant ce temps, par rapport aux artistes indépendants ou participant au marché du divertissement, le niveau de revenu peut être plusieurs fois plus élevé grâce à la fréquence des spectacles et au caractère commercial.
Ce qui est remarquable, c'est que c'est le domaine qui exige la formation la plus stricte. Un artiste symphonique ou d'opéra met généralement 10 à 15 ans à étudier dans un environnement professionnel, avec une intensité très élevée. Le ballet est encore plus dur, il faut commencer très tôt, en échangeant à la fois la forme physique et la jeunesse. Mais paradoxalement, l'ancienneté est courte, par exemple le ballet, ne dure généralement qu'environ 35 à 40 ans.
Ainsi, ce métier a une caractéristique très claire: "Formation longue - contribution courte - revenus disproportionnés". Pendant ce temps, les artistes indépendants peuvent prolonger leur durée d'activité et être plus flexibles en termes de revenus, de sorte que le déplacement des ressources humaines de haute qualité et la fuite des cerveaux sont des choses qui se sont produites et se produisent.
Par conséquent, à mon avis, la solution doit être examinée du point de vue de l'âge professionnel des artistes. Outre le fait que l'État a apporté des changements et des ajustements au système salarial, nous devrions élaborer une feuille de route professionnelle à long terme, allant de la formation - au spectacle - à la transition. Après la période de pointe, les artistes peuvent continuer à contribuer en tant qu'enseignants, chorégraphes, entraîneurs ou à participer à la production, à la création de nouveaux projets. À ce moment-là, la durée de la carrière n'est pas « raccourcie » mais prolongée en profondeur professionnelle.
De nombreux avis estiment que la persévérance dans la vulgarisation de l'art académique, l'amélioration du "goût" du public sont le moyen le plus durable de créer un bon "filtre" esthétique pour la société. Que pensez-vous de cette mission silencieuse mais grandiose du théâtre au cours de la période 2026-2031?
- Le renforcement de la capacité d'appréciation artistique du public, en particulier par le biais de formes académiques, est le moyen de construire une "résistance" culturelle de manière durable et à la racine. Lorsque les spectateurs sont nourris, accumulent des connaissances, ont une bonne base esthétique, ils choisiront activement les valeurs, au lieu d'être entraînés dans des tendances faciles ou hybrides.
Pour le Théâtre de musique et de danse du Vietnam, il s'agit d'une mission à long terme, d'une signification stratégique. La période 2026-2031 exige non seulement de maintenir les activités de spectacle, mais aussi d'élargir le rôle d'éducation du public, de créer davantage d'opportunités d'accès, de former progressivement une habitude d'appréciation artistique approfondie, en particulier chez les jeunes. Lorsque le théâtre joue bien ce rôle, il ne s'agit pas seulement d'un espace de spectacle, mais de devenir un lieu contribuant à façonner les normes esthétiques pour la société de manière naturelle et durable.
