La distance entre le théâtre musical et le public vietnamien
La comédie musicale combine de nombreux types de performances, du chant au jeu d'acteur en passant par la danse. Pour qu'une œuvre fonctionne pleinement, les artistes n'ont pas seulement besoin d'une bonne voix, mais aussi de traiter les dialogues, la forme, les émotions et d'interagir avec leurs partenaires.
Les exigences élevées en matière de main-d'œuvre font que les comédies musicales ont besoin de longues périodes de répétition, d'une grande équipe créative et de coûts de production élevés. Pendant ce temps, la taille du public au Vietnam n'est pas assez large pour que de nombreuses unités investissent à long terme avec confiance.
C'est un cercle vicieux. Le faible nombre de spectateurs rend les producteurs prudents, le nombre de pièces est limité. Inversement, le manque d'œuvres et de représentations fréquentes empêche le public de prendre l'habitude de regarder des comédies musicales.
Jay-Thiện Nguyễn - le fondateur d'Impact Theatre Saigon a partagé avec le journal Lao Động qu'un autre obstacle réside dans l'image du public de ce type de spectacle.
Lorsqu'on évoque les comédies musicales, beaucoup de gens pensent souvent à "Le Fantôme du Théâtre" ou "Les Misérables". Ce sont des œuvres célèbres avec une structure musicale à grande échelle, un espace de performance luxueux et une façon de profiter rituelle.
En écoutant des comédies musicales, les gens pensent souvent que la musique est bonne mais luxueuse, académique et qu'il faut entrer dans un théâtre pour l'expérimenter", a partagé Jay-Thiện Nguyễn.
Cette conception crée involontairement un seuil psychologique. Les personnes qui n'ont jamais vu peuvent penser qu'elles ont besoin de connaître Broadway, d'avoir des compétences linguistiques ou de se familiariser avec les règles du théâtre pour accéder à l'œuvre.
À côté de cela, il y a la question de la proximité de l'histoire. De nombreuses pièces classiques sont construites à partir de contextes historiques, sociaux et culturels occidentaux. Si l'on ne fait que transférer le prototype sur scène sans connexion, le public vietnamien peut admirer la technique de performance, mais il est difficile de trouver sa propre expérience.
Le choix de "Once on this island: Ngày xưa trên một hòn đảo" montre les efforts pour trouver une approche plus douce. La pièce raconte l'histoire de Ti Moune, une orpheline qui a grandi dans un village pauvre des Caraïbes. Elle tombe amoureuse de Daniel, un garçon de la haute société, qui doit faire face aux préjugés sociaux, aux différences de statut et à l'intervention des dieux.
L'œuvre a remporté le prix Tony et a été mise en scène dans plus de 60 pays. Cependant, l'élément important pour le nouveau public ne réside pas seulement dans la réputation internationale, mais aussi dans l'histoire de l'amour, de la communauté, de la pauvreté et des efforts pour lutter contre le destin.
Selon Jay-Thiện Nguyễn, le groupe a choisi la pièce en raison de l'atmosphère conviviale et amicale. Les acteurs portent des costumes similaires à ceux des habitants de l'île, tandis que le public est encouragé à utiliser des vêtements aux couleurs hawaïennes.
Cette organisation vise à réduire la sensation que les spectateurs doivent se préparer solennellement pour entrer dans un espace artistique étranger. Cependant, faire de la comédie musicale familière ne signifie pas simplifier les exigences professionnelles.
Une œuvre ne peut retenir le public que lorsque les acteurs chantent, dansent et jouent de manière uniforme; la musique soutient l'histoire; la mise en scène est suffisamment claire pour que ceux qui ne connaissent pas l'œuvre originale puissent toujours la suivre. Si elle ne repose que sur la nouveauté ou l'interaction, la comédie musicale a du mal à créer une communauté de spectateurs durable.
Mettre le public au centre de l'œuvre
L'une des orientations testées par les unités est de modifier la relation entre la scène et l'auditorium.
Dans le modèle traditionnel, le public s'assoit devant la scène et observe l'histoire à travers une face de la performance. Cette distance aide l'artiste à contrôler la composition, la lumière et le point de vue, mais place également le spectateur dans un rôle de réception relativement passif.
La version "Once on this island: Ngày xưa trên một hòn đảo" est organisée selon un modèle de scène ronde à 360 degrés. Le public est assis autour, tandis que les acteurs chantent, dansent et racontent des histoires juste devant eux.
Le public fera partie de l'histoire", a déclaré Jay-Thiện Nguyễn.
La scène à 360 degrés n'est pas simplement une façon d'organiser les sièges. Lorsqu'il n'y a plus de face avant et de face arrière fixes, les acteurs doivent maintenir leur expression, leur voix et leurs mouvements dans toutes les directions. La proximité rend également les limitations techniques plus faciles à reconnaître.
En retour, les spectateurs peuvent ressentir directement les mouvements, la respiration et l'énergie des acteurs. La frontière entre le monde fictif et l'auditorium est réduite, ce qui correspond à une histoire où la communauté est placée au centre.
Lors de la mise en scène précédente, certains spectateurs sont montés sur scène et ont dansé avec les acteurs. Jay-Thiện Nguyễn considère cela comme un signal positif car les spectateurs ne sont plus en dehors de l'œuvre.
Cependant, l'interaction n'a de sens que lorsqu'elle est liée à la structure du théâtre. Si le public est invité à participer principalement pour créer de l'atmosphère, la pièce risque de pencher vers une expérience de divertissement qui affaiblit l'histoire. Le metteur en scène doit clairement identifier le moment, le niveau et la fonction de chaque partie de l'interaction.
L'interprétation de certaines chansons de Broadway à la station de métro de Ben Thanh peut également être considérée sous l'angle du développement du public, au lieu d'une activité événementielle isolée.
Dans le théâtre, les artistes approchent ceux qui ont pris l'initiative d'acheter des billets. Dans les espaces publics, ils rencontrent même ceux qui n'avaient jamais pensé qu'ils regarderaient une comédie musicale. Un passager peut s'arrêter par curiosité, puis commencer à se renseigner sur l'œuvre.
C'est un moyen de réduire le risque d'expérience pour les nouveaux spectateurs. Ils n'ont pas à acheter de billets ou à passer toute une soirée dans un genre inconnu. Quelques minutes de contact direct peuvent également aider le public à réaliser que la comédie musicale n'est pas aussi distante qu'on l'imagine.
Cependant, un spectacle à la station de métro ne peut ouvrir que la première porte. Pour transformer les spectateurs occasionnels en spectateurs réguliers, les unités ont besoin d'œuvres diversifiées, d'un emploi du temps stable, d'informations accessibles et de prix raisonnables.
La plus grande difficulté reste la construction d'un écosystème. La comédie musicale a besoin d'acteurs polyvalents, de réalisateurs comprenant la structure musicale, de musiciens, de chorégraphes, de scénaristes et d'équipes techniques spécialisées. La dépendance à chaque projet à court terme rend difficile pour les professionnels de maintenir un processus d'entraînement continu.
Le projet d'introduire des comédies musicales purement vietnamiennes sur le plateau de répétition d'Impact Theatre Saigon est donc remarquable. Cela pourrait être un pas en avant de la présentation de Broadway vers la construction d'œuvres portant l'histoire, la musique et la psychologie des Vietnamiens.
Mais "purement vietnamien" ne doit pas être compris uniquement comme l'utilisation du vietnamien ou la mise en scène de personnages dans un contexte national. Une pièce doit trouver un moyen de faire en sorte que les paroles ne créent pas de sensation de tension, que la musique se connecte naturellement au scénario et que les problèmes sociaux soient traités dans un langage théâtral moderne.
Le chemin de la comédie musicale vietnamienne reste étroit en raison des coûts élevés, des ressources humaines limitées et d'un marché instable. L'introduction de l'art dans les espaces publics ou l'organisation de scènes à 360 degrés peut contribuer à réduire l'écart initial. Cependant, le facteur décisif reste la capacité de créer des œuvres suffisamment proches pour que le public se reconnaisse à l'intérieur, et en même temps de qualité suffisante pour qu'il veuille revenir au théâtre.
